Der im Jahr 1964 in Taiwan geborene Künstler Lee Mingwei nimmt innerhalb der globalen Kunstszene eine Sonderstellung ein da sein Werk sich fast gänzlich der materiellen Fixierung entzieht und stattdessen die flüchtigen Momente der menschlichen Interaktion als primäres Gestaltungsmittel nutzt. Lee Mingwei ist bekannt für seine hochsensiblen und interaktiven Installationen die den Besucher nicht nur zur Betrachtung einladen sondern ihn unmittelbar mit den grundlegenden Fragen über Vertrauen Intimität sowie das eigene Selbstbewusstsein konfrontieren. Sein künstlerischer Ansatz basiert auf der Überzeugung dass die wahre Schönheit der Kunst nicht im Objekt selbst sondern in der Qualität der Beziehung liegt die zwischen zwei Menschen oder zwischen einem Menschen und seiner Umwelt entsteht. Er machte im Jahr 1993 seinen Bachelor of Fine Arts im Bereich der Textilkunst am kalifornischen College of Arts. Diese Ausbildung ergänzte er im Jahr 1997 durch einen Master in Bildhauerei an der Yale University. Noch im selben Jahr seiner Graduierung veröffentlichte er seine erste wegweisende Einzelausstellung mit dem Titel InteractExchange welche die Weichen für sein gesamtes zukünftiges Schaffen stellte.
Die Genese einer beziehungsbasierten Ästhetik zwischen Taipeh und Yale
Die akademische Laufbahn von Lee Mingwei ist geprägt von einer tiefen Auseinandersetzung mit den materiellen und den immateriellen Werten der Schöpfung. Sein Studium der Textilkunst in Kalifornien vermittelte ihm ein Verständnis für die Struktur von Geweben das er später auf die Struktur sozialer Beziehungen übertrug. Für Mingwei ist die Gesellschaft ein Teppich aus unzähligen individuellen Erzählungen die miteinander verknüpft werden müssen um ein stabiles Ganzes zu bilden. In Yale wiederum lernte er die Kunst der Bildhauerei kennen wobei er den Begriff der Skulptur schnell von der starren Materie auf den flüssigen Prozess der menschlichen Begegnung erweiterte. Seine Arbeiten sind lebendige Skulpturen die erst durch die Anwesenheit und die aktive Teilnahme des Publikums vervollständigt werden. Auch Rirkrit Tiravanija hat die soziale Situation selbst zum Kunstwerk erhoben und die Galerie in eine Küche verwandelt in der das gemeinsame Kochen und Essen zum skulpturalen Akt wird — doch während Tiravanija die Begegnung als offene egalitäre Geste inszeniert die jeden willkommen heißt, ritualisiert Lee Mingwei die Intimität: Er wählt einzelne Teilnehmer aus lädt sie zum Schlafen zum Briefeschreiben oder zum Flicken ein und verwandelt jede Begegnung in einen sakralen Akt der Aufmerksamkeit der die buddhistische Tradition des achtsamen Gebens in die Sprache der zeitgenössischen Kunst übersetzt.
Die kathartische Kraft des Schreibens im Letter Writing Project
Ein zentrales Beispiel für diesen beziehungsbasierten Ansatz ist die Installation The Letter Writing Project aus dem Jahr 1998. Hierbei lud der Künstler die Ausstellungsbesucher dazu ein Briefe zu verfassen was in der heutigen digitalen und schnelllebigen Zeit einen fast schon meditativen Akt darstellt. In speziell gestalteten Kabinen konnten die Teilnehmer ihre Gedanken auf Papier bringen wobei die Intention des Schreibens vollkommen freigestellt war. Manche nutzten diese Gelegenheit um mit den Briefen um Entschuldigung oder Vergebung zu bitten während andere ihre tiefsten Gefühle für eine geliebte Person oder einen längst verstorbenen Verwandten niederschrieben. Der Besucher hatte anschließend die Wahl den Brief in einem Regal zur öffentlichen Lektüre zu platzieren oder ihn durch das Museum absenden zu lassen. Die Idee zu diesem Projekt entstand aus einer sehr persönlichen Erfahrung von Lee Mingwei nach dem Tod seiner Großmutter. Die Installation macht deutlich dass das geschriebene Wort eine Brücke zwischen den Lebenden und den Toten sowie zwischen dem Verborgenen und dem Sichtbaren schlagen kann.
Die Zerbrechlichkeit des Vertrauens im Sleeping Project
Den Grundstein für ein weiteres hochgelobtes und zugleich intimes Werk legte eine schicksalhafte Zugfahrt von Paris nach Prag auf der Lee Mingwei einen polnischen Überlebenden der Konzentrationslager der Nationalsozialisten traf. Nach einem aufwühlenden Gespräch über die Gräueltaten der Geschichte legte sich der fremde Mann schlafen während der Künstler in dieser Nacht keinen Schlaf fand. Die Wucht dieser Begegnung und das Vertrauen das der Fremde ihm entgegenbrachte indem er in seiner Gegenwart schutzlos einschlief beschäftigten Mingwei über Jahre hinweg. Erst im Jahr 2000 konnte er diese Emotionen künstlerisch verarbeiten und erschuf die Installation The Sleeping Project. Für dieses Projekt wurden per Zufall Bewerber ausgewählt die eine ganze Nacht gemeinsam mit Lee Mingwei in den Räumen des Museums verbrachten. Der Künstler versuchte auf diese Weise den Besuchern die vielfältigen Aktionsmuster und Wahrnehmungsmuster nahezubringen auf denen Individuen Intimität und Vertrauen erfahren wenn sie in einem geschützten Rahmen mit einem vollkommen Unbekannten konfrontiert werden. Das Schlafen als Zustand der absoluten Passivität und Verletzlichkeit wird hier zum ultimativen Beweis für die menschliche Bindungsfähigkeit.
Die heilende Symbolik des Fadens im Mending Project auf der Biennale in Venedig
Ein weiteres Werk das die textile Herkunft des Künstlers mit seinem Interesse an sozialen Heilungsprozessen verbindet ist The Mending Project. Aktuell erlangte diese Arbeit besondere Aufmerksamkeit durch ihre Präsentation auf der 57. Biennale in Venedig im Rahmen der von Christine Macel kuratierten Hauptausstellung Viva Arte Viva. In dieser Installation fungiert Lee Mingwei als eine Art Schneider der Seele. Er sitzt an einem Tisch vor einer Wand die mit hunderten von bunten Garnrollen bestückt ist. Die Besucher sind eingeladen beschädigte Kleidungsstücke oder Textilien mitzubringen die für sie eine persönliche Bedeutung haben. Während Mingwei das Loch oder den Riss flickt entsteht ein Gespräch zwischen dem Künstler und dem Besitzer des Gegenstandes. Die Fäden mit denen die Reparatur durchgeführt wird bleiben mit der Garnrolle an der Wand verbunden wodurch im Laufe der Ausstellungsdauer ein komplexes und farbenprächtiges Netz aus Linien entsteht die alle Beteiligten symbolisch miteinander verknüpfen. Das Werk thematisiert die Schönheit des Reparierens in einer Wegwerfgesellschaft und zeigt auf dass das Ausbessern eines materiellen Schadens oft mit der Heilung einer inneren Wunde einhergeht.
Die Gastfreundschaft als künstlerische Praxis im Dining Project
Das Element der Gastfreundschaft ist ein weiterer Pfeiler im Schaffen von Lee Mingwei der besonders in seinem Dining Project zum Ausdruck kommt. Hierbei lädt der Künstler einen zufällig ausgewählten Besucher zu einem gemeinsamen Abendessen in die Räumlichkeiten der Galerie ein. Mingwei bereitet das Essen selbst zu und sorgt für eine Atmosphäre der Wärme und des Willkommenseins. Während des Essens tauschen sich der Gastgeber und sein Gast über ihre Leben ihre Träume und ihre Ängste aus. Diese Arbeit basiert auf der buddhistischen Tradition der Almosengabe und der Wertschätzung der Nahrung als Mittel der Verbindung. Das Dining Project zeigt dass die einfachsten Handlungen des täglichen Lebens wie das gemeinsame Essen eine enorme transformative Kraft besitzen können wenn sie mit voller Achtsamkeit und Respekt ausgeführt werden. Die Kunst wird hier zu einer Form des Dienstes am Mitmenschen und fordert uns dazu auf die Gastfreundschaft als eine radikale politische und ethische Geste neu zu bewerten.
Die Vergänglichkeit der Schönheit im Moving Garden
In der Arbeit The Moving Garden setzt sich Lee Mingwei mit den Themen der Großzügigkeit und der Vergänglichkeit auseinander. Die Installation besteht aus einem langen skulpturalen Tisch der mit hunderten von frischen Blumen bestückt ist. Die Besucher der Ausstellung werden eingeladen eine Blume mitzunehmen unter der Bedingung dass sie diese auf ihrem Heimweg einer vollkommen fremden Person schenken. Damit weitet sich die Wirkung des Kunstwerks weit über die Mauern des Museums hinaus in den städtischen Raum aus. Das Werk thematisiert das Loslassen und die Idee dass Schönheit an Wert gewinnt wenn man sie teilt anstatt sie für sich zu behalten. Der Moving Garden erinnert an die zen-buddhistische Lehre der Unbeständigkeit da die Blumen verwelken und die Geste des Schenkens ein flüchtiger Moment ist der nur in der Erinnerung der Beteiligten weiterlebt.
Die monumentale Dekonstruktion von Guernica in Sand
Eine seiner monumentalsten und zugleich vergänglichsten Arbeiten ist das Projekt The Guernica in Sand. In dieser Installation rekonstruiert Lee Mingwei das berühmte Antikriegsbild von Pablo Picasso mit farbigem Sand auf dem Boden des Museums. Über mehrere Wochen hinweg entsteht durch akribische Arbeit ein detailgetreues Abbild des Meisterwerks. In der Mitte der Ausstellungsdauer findet dann eine Performance statt bei der der Künstler und mehrere Freiwillige über das Sandbild laufen und die mühsam geschaffenen Strukturen zerstören. Dieser Akt der Dekonstruktion erinnert an die tibetische Tradition der Sandmandalas und symbolisiert die Zerstörungskraft des Krieges sowie die Unausweichlichkeit des Wandels. Die Arbeit zeigt dass selbst die größten Ikonen der Kunstgeschichte der Vergänglichkeit unterworfen sind und dass die Erinnerung an das Leid eine ständige aktive Vergegenwärtigung erfordert.
Institutionelle Anerkennung im Mori Art Museum Tokio
Im Jahr 2014 erhielt das Schaffen von Lee Mingwei eine bedeutende museale Würdigung durch die groß angelegte Werkschau Lee Mingwei and His Relations im renommierten Mori Art Museum in Tokio. Diese Ausstellung bot ein umfassendes Panorama seiner wichtigsten Projekte die alle zur aktiven Teilnahme aufriefen und die sozialen Beziehungen in den Mittelpunkt stellten. Die Besucher in Tokio reagierten mit großer Offenheit auf die Einladungen des Künstlers was beweist dass die Themen von Lee Mingwei eine universelle Gültigkeit besitzen die über kulturelle Unterschiede hinweg funktioniert.
Die Rolle des Betrachters als Co-Produzent der Bedeutung
Ein wesentliches Merkmal der Arbeit von Lee Mingwei ist die radikale Verschiebung der Autorität vom Künstler hin zum Publikum. Er schafft lediglich den Rahmen und die Bedingungen unter denen die Kunst entstehen kann doch die eigentliche Bedeutung wird erst durch die Handlungen und Emotionen der Teilnehmer generiert. Ohne den Briefeschreiber ohne den Übernachtungsgast oder ohne die Person die ein Kleidungsstück zum Reparieren bringt bliebe die Installation eine leere Hülle. Dieser demokratische Ansatz macht den Betrachter zum Co-Produzenten des Werkes. Lee Mingwei praktiziert eine Form der Demut indem er sein Ego zurücknimmt und dem Gegenüber den Raum gibt seine eigene Geschichte zu erzählen. Er erinnert uns daran dass wir alle Schöpfer unserer eigenen sozialen Realität sind und dass jede kleine Geste der Aufmerksamkeit eine große Wirkung entfalten kann.
Lee Mingwei leistet mit seinen Arbeiten einen unschätzbaren Beitrag zur Vermenschlichung unserer technisierten Welt. Seine Kunst ist eine Einladung zur Entschleunigung zur Achtsamkeit und zum Mut sich gegenüber Fremden zu öffnen. Ob er nun in Venedig Löcher in Pullovern stopft oder in New York zum Briefeschreiben anregt immer geht es ihm um die Wiederentdeckung der Intimität als einer lebensnotwendigen Ressource. In einer Welt die oft von Spaltung und Misstrauen geprägt ist setzt Lee Mingwei auf die verbindende Kraft des Dialogs und des Geschenks. Sein Vermächtnis liegt in der Erkenntnis dass wir alle miteinander durch unsichtbare Fäden verbunden sind und dass es an uns liegt diese Fäden mit Sorgfalt und Liebe zu pflegen. Wer die Kunst von Lee Mingwei erlebt verlässt den Raum meist mit einem geschärften Bewusstsein für die Kostbarkeit des Augenblicks und die Bedeutung der Mitmenschlichkeit.
Mehr Informationen unter: leemingwei.com
Signum Sine Tinnitu stellt in dieser Serie die einflussreichsten zeitgenössischen Künstler vor. Als unabhängige Plattform für zeitgenössische Kunst zeigen wir in unseren eigenen Ausstellungen in Berlin Positionen, die die flüchtigen Momente der menschlichen Begegnung als das wertvollste Material der Kunst begreifen.