Ein freundliches Gesicht kann eine ziemlich unfreundliche Frage stellen. In der Kunst von Takashi Murakami sind die lächelnden Formen, die strahlenden Farben und die scheinbar mühelose Wiedererkennbarkeit Teil eines komplexen Spiels mit Bildkultur. Wer darin nur gute Laune sieht, kommt angenehm schnell zu einem Ergebnis und verpasst den Rest. Die Galerie Perrotin hat an der internationalen Sichtbarkeit dieses Werks einen erheblichen Anteil. Ihr Programm ist auch deshalb interessant, weil es die Lust am starken Bild mit sehr unterschiedlichen Vorstellungen von Erzählung, Öffentlichkeit und künstlerischem Eigensinn verbindet.
Perrotin besitzt eine deutliche Affinität zu Kunst, die außerhalb eines kleinen Fachpublikums Wirkung entfalten kann. Daraus folgt jedoch keine einheitliche Ästhetik. Eine Arbeit von Murakami beansprucht die Aufmerksamkeit anders als eine fotografisch erzählte Versuchsanordnung von Sophie Calle oder eine verschmitzte Setzung von Maurizio Cattelan. Die Galerie lässt sich am besten über diese Unterschiede verstehen. Ihre spannendere Geschichte handelt davon, wie verschiedene künstlerische Sprachen Öffentlichkeit gewinnen und dabei ihre besondere Art des Denkens behalten können.
Perrotin: Ein Anfang mit beträchtlicher Beweglichkeit
Emmanuel Perrotin gründete seine Galerie 1990 in Paris. Die frühe Geschichte ist mit einer Reihe von Künstlern verbunden, die später weit über Frankreich hinaus bekannt wurden. Wichtig ist daran die lange Dauer mancher Zusammenarbeit. Der spätere Erfolg lässt die Unsicherheit des Anfangs leicht verschwinden. Rückblickend sieht jede konsequente Entscheidung verdächtig vernünftig aus. In der Gegenwart einer jungen Praxis ist dagegen häufig unklar, welche Fragen tragfähig bleiben und welche nur einen kurzen Moment der Aufmerksamkeit erzeugen. Eine Galerie muss sich dieser Unsicherheit stellen.
Aus dem Pariser Anfang entwickelte sich ein internationales Unternehmen mit Ausstellungsorten in mehreren Weltregionen. Eine solche Ausweitung bringt unterschiedliche Öffentlichkeiten miteinander in Beziehung. Sie erzeugt aber noch kein gemeinsames Verständnis. Ein Bildmotiv kann in verschiedenen kulturellen Zusammenhängen anderes Vorwissen aufrufen. Eine Geste kann sofort einleuchten und dennoch unterschiedlich gelesen werden. Gerade bei stark wiedererkennbarer Kunst sollte eine Galerie deshalb mehr ermöglichen als die Verbreitung derselben Oberfläche. Interessant wird die Vermittlung dort, wo sie die Unterschiede der Wahrnehmung ernst nimmt.
Takashi Murakami und die anspruchsvolle Verführung der Oberfläche
Takashi Murakami verbindet Kenntnisse traditioneller japanischer Malerei mit gegenwärtigen Figurenwelten, Anime und populären Bildsprachen. Sein Begriff Superflat bringt die Beziehung zwischen kulturellen Ebenen und bildnerischer Flächigkeit ins Spiel. Das scheinbar Unmittelbare besitzt eine Vorgeschichte. Eine Figur kann gleichzeitig niedlich, überdreht und irritierend erscheinen. Ihre Wirkung erschöpft sich nicht in der Entscheidung, ob man sie sympathisch findet. Spannend ist, welche Erwartungen an Hochkunst und populäre Kultur in dieser Erscheinung aufeinanderstoßen.
Gerade die professionelle Perfektion einer Oberfläche kann den Blick zunächst bequem machen. Alles scheint bereits für seine Wirkung eingerichtet. Doch eine solche Kunst verlangt, die eigene Verführbarkeit mitzubetrachten. Was macht ein Motiv so anschlussfähig? Warum bleibt es im Gedächtnis? Wo schlägt das Angenehme in etwas Übersteigertes um? Murakamis Arbeiten erlauben diese Fragen, ohne dass man ihre sinnliche Attraktion verleugnen müsste. Man darf das Bild mögen und gleichzeitig untersuchen, wie es diese Zuneigung herstellt. Das ist eine durchaus erwachsene Form des Vergnügens.
Die Galerie kann dabei helfen, verschiedene Werkgruppen und historische Bezüge zugänglich zu machen. Eine einzelne Blume erklärt keine vollständige künstlerische Praxis. Interessanter wird es, wenn man Unterschiede zwischen Bildtypen, Formaten, Materialien und räumlichen Anordnungen betrachtet. Gerade der bekannte Name birgt die Gefahr, dass jede neue Arbeit vorschnell als weiteres Beispiel des längst Verstandenen behandelt wird. Eine sorgfältige Ausstellung muss diese Gewohnheit unterbrechen. Sie gibt dem Einzelnen seine Genauigkeit zurück, ohne die Wiedererkennbarkeit künstlich verbergen zu müssen.
Maurizio Cattelan: Der Witz behält einen Widerhaken
Das Werk von Maurizio Cattelan führt auf anderem Weg in die Öffentlichkeit. Seine Setzungen besitzen häufig die Klarheit eines Bildes, das sich sofort weitererzählen lässt. Dieser schnelle Zugang ist ein Bestandteil ihrer Wirkung. Er kann das Nachdenken eröffnen oder es durch eine Pointe scheinbar schon erledigen. Interessant sind die Arbeiten dort, wo die Pointe nach dem ersten Lachen nicht verschwindet. Eine Anordnung bleibt im Kopf und verändert rückwirkend die Selbstverständlichkeit eines Symbols, einer Autorität oder einer gesellschaftlichen Gewohnheit.
Für eine Galerie entsteht daraus eine besondere Aufgabe. Sie muss dem Werk seine öffentliche Lesbarkeit lassen und zugleich die Bedingungen seiner Erscheinung bewahren. Ein Foto, eine Nachricht oder eine kurze Beschreibung können eine Arbeit enorm verbreiten. Sie verändern dabei aber auch deren Maßstab und Zusammenhang. Vor dem tatsächlichen Gegenüber können Material, Höhe und räumliche Nähe eine andere Reaktion auslösen als die erinnerte Abbildung. Cattelans Kunst macht diese Differenz ergiebig. Der Witz ist nicht das Gegenteil von Genauigkeit. Im günstigen Fall ist er ihre besonders unerbittliche Form.
Besonders deutlich wird dieses Verhältnis bei Comedian, der 2019 von Perrotin auf der Art Basel Miami Beach gezeigten Arbeit aus Banane und Klebeband. Die leicht weitererzählbare Erscheinung provoziert eine Frage nach dem Kunstwerk, die sich durch die bloße Aufzählung seiner Materialien kaum beantworten lässt. Gerade die scheinbare Beiläufigkeit der Setzung bringt die Bedingungen ihrer Anerkennung ins Spiel. Der Ausstellungszusammenhang wird selbst zu einem Teil dessen, worüber gesprochen werden muss.
Die Arbeit kann als trockener Kommentar auf die Erwartungen gelesen werden, die ein Publikum in eine Kunstmesse mitbringt. Man erwartet wertvolle Gegenstände und begegnet etwas Vertrautem in einer irritierenden Anordnung. Das erste Lachen erledigt diesen Widerspruch keineswegs. Es legt ihn offen. Für das Profil der Galerie ist dieser historische Moment aufschlussreich, weil sich hier öffentliche Wirkung und eine präzise gesetzte kunstbetriebliche Zumutung kaum voneinander trennen lassen.
Sophie Calle und die Zumutung einer Erzählung
Mit Sophie Calle öffnet sich innerhalb des Programms eine andere Art von Aufmerksamkeit. Fotografien und Texte bilden Erzählungen, deren Regeln ebenso wichtig sind wie die berichteten Situationen. Nähe und Distanz werden durch eine bestimmte Anordnung hergestellt. Das Publikum liest, sieht, ergänzt und bemerkt dabei, wie leicht aus wenigen Angaben eine Vorstellung von einem anderen Leben entsteht. Diese Tätigkeit kann berührend sein. Sie bleibt zugleich eine heikle Angelegenheit, weil jedes Erzählen auswählt und dadurch eine eigene Macht über das Erzählte gewinnt.
Eine Ausstellung solcher Arbeiten benötigt eine andere Geschwindigkeit als die Begegnung mit einem sofort erkennbaren Bildzeichen. Texte wollen gelesen, Bilder miteinander in Beziehung gesetzt werden. Die Zeit der Betrachtung folgt einer Erzählung, ohne vollständig in ihr aufzugehen. Gerade diese Verschiedenheit ist für das Profil von Perrotin wertvoll. Sie widerspricht der bequemen Vorstellung, eine international sichtbare Galerie müsse vor allem leicht zirkulierende Bilder liefern. Ein Programm kann zugänglich sein und dennoch sehr unterschiedliche Grade von Geduld, Neugier und persönlicher Beteiligung verlangen.
Der Unterschied zwischen Neuheit und einer neuen Frage
Die Versuchung hedonistischer Novelty-Effekte ist im Kunstbetrieb leicht zu erkennen: Ein neues Motiv erzeugt einen kurzen Lustgewinn, dann verlangt die Aufmerksamkeit nach dem nächsten. Der Ausdruck klingt absichtlich etwas überdreht, bezeichnet aber eine vertraute Erfahrung. Für ein Galerieprogramm stellt sich die Frage, was nach diesem ersten Reiz bleibt. Entwickelt eine Arbeit ihre Bedeutung weiter? Werden Unterschiede sichtbar, die anfangs übersehen wurden? Ein gutes Programm kann die Freude an neuen Bildern mit einer länger anhaltenden Auseinandersetzung verbinden.
Bei Perrotin lohnt es sich deshalb, Bekanntheit und künstlerische Entwicklung auseinanderzuhalten. Ein Werk kann berühmt werden, während seine interessanteren Fragen kaum verstanden sind. Die Ausstellung und ihre begleitenden Materialien können hier einen zweiten Zugang schaffen. Für Sammler ist dieser zweite Zugang besonders wertvoll. Er erlaubt, eine persönliche Begeisterung zu präzisieren und sie von bloßer Vertrautheit zu unterscheiden. Man muss dem eigenen ersten Eindruck nicht misstrauen. Man sollte ihm nur die Gelegenheit geben, sich an weiteren Erfahrungen zu bewähren.
Eine Galerie mit Freude an der öffentlichen Wirkung
Perrotin verdient seinen Platz unter den international prägenden Galerien, weil das Haus unterschiedliche Formen künstlerischer Öffentlichkeit miteinander verbindet. Es hat keine Scheu vor einem starken ersten Bild und muss sich gerade deshalb an der Qualität der zweiten Begegnung messen lassen. Die interessantesten Verbindungen des Programms liegen zwischen Verführung, Erzählung und einer kleinen, sorgfältig gesetzten Unverschämtheit. Das Publikum wird freundlich hereingelassen. Seine Gewissheiten bekommen keineswegs immer einen bequemen Sitzplatz.
Zur Entstehung und Entwicklung des Hauses führt die offizielle Geschichte der Galerie Perrotin.