In der Welt der zeitgenössischen Ästhetik gibt es nur wenige Handschriften die so unmittelbar wiedererkennbar und zugleich so schneidend in ihrer gesellschaftlichen Analyse sind wie jene von Barbara Kruger. Wer heute durch die Metropolen der Welt streift oder die großen Museen für moderne Kunst besucht begegnet unweigerlich ihren großformatigen Werken die uns oft wie ein schlechtes Gewissen oder eine aggressive Werbebotschaft entgegentreten. Kruger die im Jahr 1945 in Newark im US-Bundesstaat New Jersey geboren wurde hat es geschafft die visuelle Sprache der Massenmedien und der Konsumkultur gegen sich selbst zu wenden. Ihr Werk ist eine fortwährende Untersuchung von Machtstrukturen sowie Geschlechterrollen und den verborgenen Mechanismen der Unterdrückung die unseren Alltag prägen. Mit ihrer charakteristischen Kombination aus Schwarz-Weiß-Fotografien und markanten Texten in weißer Schrift auf rotem Grund hat sie eine Ikonografie geschaffen die weit über den geschlossenen Zirkel des Kunstbetriebs hinauswirkt. Barbara Kruger ist keine Künstlerin die uns schmeicheln will sondern eine die uns mit der nackten Wahrheit unserer eigenen Begehrlichkeiten und Vorurteile konfrontiert.
Die Anfänge zwischen Newark und der glitzernden Welt von New York
Der Weg von Barbara Kruger begann in einer typischen bürgerlichen Umgebung der Mittelklasse in Newark. Schon früh zeigte sich ihr Interesse an visueller Gestaltung was sie schließlich an die Syracuse University führte. Doch die Provinz wurde ihr schnell zu eng und nach nur einem Jahr im Jahr 1966 zog es sie in das pulsierende Herz der amerikanischen Kunstwelt nach New York City. Dort schrieb sie sich an der Parsons School of Design ein. An der Parsons Schule begegnete sie zwei Mentoren die ihre Wahrnehmung der Welt und des Bildes grundlegend verändern sollten nämlich dem Designer Marvin Israel und der legendären Fotografin Diane Arbus. Von Arbus lernte sie den ungeschönten Blick auf die menschliche Existenz während Israel ihr das Handwerkszeug für eine effektive visuelle Kommunikation vermittelte.
Der Aufstieg im Grafikdesign und die Schule des Condé Nast Verlags
Nachdem sie die Parsons School verlassen hatte begann für Barbara Kruger eine beeindruckende Laufbahn im kommerziellen Sektor. Sie fand Anstellung bei Condé Nast Publications einer der einflussreichsten Verlagsgruppen der Welt. Ihre Karriere bei dem Magazin Mademoiselle war geradezu kometenhaft da sie bereits im Alter von nur zweiundzwanzig Jahren zur Chefdesignerin befördert wurde. In den Redaktionen lernte sie wie man Bilder auswählt und wie man Typografie einsetzt um die Aufmerksamkeit eines Massenpublikums zu steuern. Sie begriff wie die Werbeindustrie Sehnsüchte weckt und Identitäten konstruiert. Dieser Blick hinter die Kulissen der Konsumwelt ermöglichte es ihr später die Rhetorik des Kapitalismus mit seinen eigenen Waffen zu schlagen.
Die Geburt des charakteristischen Stils und die Macht der Collage
Als Barbara Kruger im Jahr 1977 wieder mit dem künstlerischen Schaffen begann war die Transformation vollzogen. Sie hatte sich endgültig von der Malerei abgewandt und wandte sich der Foto- und Textcollage zu. Sie begann die Rhetorik der Werbung zu dekonstruieren indem sie bekannte Bilder mit provokanten Sätzen überlagerte. Im Jahr 1979 kristallisierte sich schließlich ihr weltberühmter Stil heraus: großformatige Schwarz-Weiß-Aufnahmen die durch rote Balken mit weißer Typografie konfrontiert wurden. Ihre Texte die oft Pronomen wie Ich und Du sowie Wir oder Sie verwenden sprechen den Betrachter direkt an und verwickeln ihn in ein psychologisches Spiel um Macht und Begehren. Berühmte Sätze wie I shop therefore I am oder Your body is a battleground wurden zu geflügelten Worten der feministischen und konzeptuellen Kunst. In dieser direkten Konfrontation des Betrachters durch Text im Raum steht Kruger neben Jenny Holzer, die mit ihren anonymen Truisms und LED-Installationen eine verwandte Strategie der sprachlichen Intervention verfolgt — doch wo Holzer oft die Anonymität der Botschaft sucht, konfrontiert Kruger mit der gezielten Adressierung des Du.
Der Durchbruch bei Mary Boone und die Eroberung des Galerieraums
In den 1980er Jahren wurde Krugers Arbeit immer ehrgeiziger und politisch schärfer. Ein historischer Moment in ihrer Karriere ereignete sich im Jahr 1988 als sie als erste weibliche Künstlerin bei der renommierten Mary Boone Gallery in New York unter Vertrag genommen wurde. Im Jahr 1991 folgte ihre spektakuläre Einzelausstellung bei der sie den gesamten Innenraum in eine immersive Installation verwandelte. Fast jeder Zentimeter der Wände sowie des Bodens und der Decke war mit Texten und Bildern bedeckt die die Besucher buchstäblich umhüllten. Mit diesem Schritt löste sie das Bild von der Wand und machte die Architektur selbst zum Träger ihrer kulturellen Kritik. Sie zeigte dass Kunst nicht nur ein Objekt ist das man betrachtet sondern ein Raum den man bewohnt — eine Haltung die sich auch in den immersiven Installationen von Bruce Nauman findet, dessen aggressive Neonarbeiten ebenfalls den Betrachter physisch angreifen.
Feminismus und die Dekonstruktion der Unterdrückung
Die Arbeit von Barbara Kruger hat einen festen Platz in der Geschichte der feministischen Kunst. Sie seziert die zeitgenössische Kultur und zielt dabei oft auf multiple Formen der Unterdrückung ab. Wenn sie schreibt We won’t play nature to your culture greift sie tief verwurzelte Geschlechterstereotype an. Ihre Texte sind direkte Herausforderungen an den männlichen Blick und an die Art und Weise wie weibliche Körper in den Medien objektifiziert werden. In dieser feministischen Dekonstruktion des Blicks steht Kruger neben Cindy Sherman, deren inszenierte Fotografien die Konstruktion von Weiblichkeit ebenfalls sezieren — wenn auch mit der Methode der Verkleidung wo Kruger die Methode des Textes bevorzugt. Kruger macht deutlich dass das Private immer auch politisch ist — Fragen die auch das breitere Verhältnis von Kunst und Gesellschaft berühren.
Immersive Installationen und architektonische Eingriffe
In den letzten zwei Jahrzehnten hat Barbara Kruger ihr Oeuvre buchstäblich erweitert indem sie großformatige Installationen für Museen und den öffentlichen Raum auf der ganzen Welt schuf. Ihre Arbeiten finden sich heute auf riesigen Werbetafeln sowie als Bodenbeschriftungen in Museen oder als komplette Raumgestaltungen die den Betrachter mit Wortkaskaden überfluten. Diese architektonischen Eingriffe verändern die Wahrnehmung der gebauten Umwelt und machen deutlich dass jeder Raum ein politischer Raum ist. Ihre Werke in Städten wie Berlin oder Los Angeles zeigen dass ihre Ästhetik global verständlich ist und dass die Fragen nach Macht und Identität keine Grenzen kennen.
Der Einfluss auf nachfolgende Generationen
Barbara Kruger gehört zu den einflussreichsten zeitgenössischen Künstlern da sie sowohl im kommerziellen als auch im künstlerischen Bereich erfolgreich agiert. In ihrer Verbindung von politischem Aktivismus und visueller Rhetorik hat sie den Weg für Künstlerinnen wie Tracey Emin geebnet, deren Neonphrasen eine verwandte Verschmelzung von Text und emotionaler Konfrontation praktizieren — wenn auch mit der intimen Handschrift des Tagebuchs wo Kruger die anonyme Schlagzeile bevorzugt. Ihre vielfältige Arbeit von ihren frühen Drucken bis hin zu ihren T-Shirt-Designs hat dafür gesorgt dass sie einen großen Einfluss auf Künstler und Nicht-Künstler gleichermaßen hat. Sie hat gezeigt dass Kunst eine soziale Praxis sein kann die die Welt nicht nur abbildet sondern sie aktiv herausfordert.
Kruger hat uns gezeigt dass das Wort eine Waffe sein kann wenn man es richtig einsetzt. Ihre roten Rahmen sind keine Begrenzungen sondern Fenster durch die wir auf die Heuchelei unserer Zeit blicken können. Barbara Kruger bleibt die Chefdesignerin unserer kollektiven Reflexion deren Stimme auch in Zukunft unverzichtbar sein wird um die Mechanismen der Macht zu entlarven.
Mehr Informationen unter: https://www.thebroad.org/art/barbara-kruger
Signum Sine Tinnitu stellt in dieser Serie die einflussreichsten zeitgenössischen Künstler vor. Als unabhängige Plattform für zeitgenössische Kunst zeigen wir in unseren eigenen Ausstellungen in Berlin Positionen, die Sprache und Bild als Waffen der Reflexion nutzen — von Handle als wäre Rettung möglich bis Cataclysmic Change.