In der oft kühlen und distanzierten Welt der zeitgenössischen Ästhetik gibt es nur wenige Stimmen die eine so unmittelbare und beinahe schmerzhafte Ehrlichkeit ausstrahlen wie jene von Tracey Emin. Sie ist weit mehr als nur ein prominentes Mitglied der Gruppe die als Young British Artists bekannt wurde. Emin ist eine Künstlerin die ihr gesamtes Leben als Material begreift und die keine Grenze zwischen ihrer privaten Existenz und ihrer öffentlichen Präsentation akzeptiert. Ihre Arbeit ist ein mutiger Sturz in die Tiefe der eigenen Biografie wobei sie konsequent Themen wie Liebe und Verlust sowie Trauma und sexuelle Identität verhandelt. Wer vor einem ihrer Werke steht sei es eine leuchtende Neonphrase oder ein zerwühltes Bett begegnet einer Frau die sich weigert sich zu verstecken. Emin nutzt eine beeindruckende Vielfalt an Medien von der Malerei und Fotografie bis hin zum Film und der Performance sowie handbestickten Wandteppichen um ihre intensivsten Emotionen in einen Dialog mit dem Betrachter zu bringen. Sie hat die Gabe das zutiefst Persönliche in etwas Universelles zu verwandeln das Menschen auf der ganzen Welt berührt. Ihr Aufstieg vom Enfant Terrible der Londoner Szene zur anerkannten Professorin an der Royal Academy markiert eine der faszinierendsten Karrieren der modernen Kunstgeschichte.
Die frühen Jahre und der Weg durch die Modewelt zur Malerei
Der Ursprung dieser außergewöhnlichen künstlerischen Kraft liegt im Jahr neunzehnhundertdreiundsechzig als Tracey Emin in Surrey in England geboren wurde. Ihre Jugend war geprägt von den rauen Realitäten einer Küstenstadt was später oft in ihren erzählerischen Werken anklingen sollte. Bevor sie sich jedoch ganz der Bildenden Kunst verschrieb suchte sie ihren Ausdruck zunächst in der Mode. Von neunzehnhundertachtzig bis neunzehnhundertzweiundachtzig studierte sie Mode am Medway College of Design. Diese Ausbildung im Bereich der Textilien und des Designs sollte später eine wichtige Rolle in ihren berühmten Applikationsarbeiten und Wandteppichen spielen bei denen sie Stoffe nutzt um ihre Gedanken und Geschichten physisch zu vernähen. Ein entscheidender Wendepunkt war das Jahr neunzehnhundertsiebenundachtzig als eine prägende Beziehung endete und sie die Entscheidung traf nach London zu ziehen. Dort im pulsierenden Zentrum der britischen Kultur begann sie ihr MA-Studium der Malerei am Royal College of Art das sie im Jahr neunzehnhundertneunundachtzig erfolgreich abschloss.
Das Zelt der Namen und die Dokumentation der Nähe
Eines der ersten Werke mit denen Tracey Emin weltweit für Aufsehen sorgte trug den Titel Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995. Es handelt sich dabei um ein blaues Zelt in dessen Innenraum Emin die Namen jeder einzelnen Person applizierte mit der sie jemals im wahrsten Sinne des Wortes in einem Bett geschlafen hatte. Entgegen der oft voyeuristischen Erwartungshaltung des Publikums handelte es sich dabei keineswegs nur um sexuelle Partner. Auf der Liste fanden sich Liebhaber ebenso wie Familienmitglieder und Freunde sowie ihre eigenen ungeborenen Kinder. Das Werk war eine berührende Dokumentation von Intimität und menschlicher Nähe und zeigte die Vielfalt der Beziehungen die ein Leben formen. In dieser radikalen Selbstentblößung steht Emin neben Nan Goldin, deren fotografische Tagebücher ebenfalls die Grenze zwischen privatem Erleben und öffentlicher Kunst aufheben — wenn auch mit der Kamera statt mit Nadel und Faden. Das Zelt fungierte als ein geschützter Raum der Erinnerung in dem die Namen der Menschen bewahrt wurden die Emin auf ihrem Weg begleitet hatten. Leider wurde dieses ikonische Werk im Jahr zweitausendvier bei einem verheerenden Brand in einem Lagerhaus zerstört doch sein Nachhall in der Kunstwelt bleibt bis heute ungebrochen da es den Grundstein für Emins Ruf als Chronistin der radikalen Subjektivität legte.
My Bed und die Ästhetik des emotionalen Trümmerfelds
Der endgültige Durchbruch und zugleich der größte Skandal ihrer Karriere ereignete sich im Jahr neunzehnhundertneunundneunzig als Tracey Emin für den Turner Prize nominiert wurde. Sie präsentierte eine Installation mit dem Titel My Bed die genau das zeigte was der Name versprach: Ihr eigenes Bett in dem sie nach einer Phase schweren emotionalen Traumas mehrere Tage verbracht hatte. Das Bett war umgeben von den Überresten dieser Krisenzeit von benutzten Kondomen und Zigarettenstummeln sowie leeren Schnapsflaschen und befleckten Laken. Es war ein schonungsloses Porträt der Verzweiflung und der menschlichen Hinfälligkeit das in der britischen Öffentlichkeit für einen beispiellosen Sturm der Entrüstung aber auch der Bewunderung sorgte. Im selben Jahr gewann Steve McQueen den Turner Prize — ein Zeichen dafür wie breit die britische Kunst der späten Neunziger aufgestellt war, von Emins autobiografischer Radikalität bis zu McQueens filmischer Strenge. Emin hatte den Mut den intimsten und oft als schamhaft empfundenen Raum einer Frau in das Zentrum einer der renommiertesten Kunstinstitutionen der Welt zu rücken. My Bed löste eine Debatte darüber aus was Kunst sein darf und wo die Grenze zwischen Selbstdarstellung und Voyeurismus liegt — Fragen die auch das breitere Verhältnis von Kunst und Gesellschaft berühren. Das Werk erreichte eine universelle Dimension da es die grundlegendsten menschlichen Emotionen von Einsamkeit und Erschöpfung ansprach die jeder Mensch auf seine Weise kennt.
Neonphrasen und die Poesie der geschriebenen Emotion
Ein weiteres wesentliches Element im Schaffen von Tracey Emin sind ihre Arbeiten mit Leuchtstoffröhren die oft kurze und prägnante Phrasen in ihrer charakteristischen Handschrift zeigen. Diese Neonarbeiten sind wie leuchtende Tagebucheinträge die den Raum mit einer hochemotionalen Atmosphäre füllen. Phrasen wie I Promise to Love You oder You Forgot to Kiss My Soul wirken wie direkte Botschaften an eine unbekannte Person oder an die Künstlerin selbst. Das Licht des Neons das oft mit der kommerziellen Welt der Werbung und der Nachtclubs assoziiert wird erhält bei Emin eine zutiefst private Note. In dieser Nutzung von Text als visuellem und emotionalem Medium berührt sich ihre Arbeit mit Jenny Holzers LED-Installationen — doch wo Holzer die anonyme politische Botschaft an die Masse richtet, schreibt Emin den intimen Brief an eine einzelne Seele. Die Zerbrechlichkeit des Gases in den Glasröhren spiegelt die Zerbrechlichkeit der Gefühle wider die sie beschreibt. Die Neonarbeiten sind heute in vielen wichtigen Sammlungen weltweit zu finden und zeigen die Entwicklung einer Künstlerin die gelernt hat ihre inneren Monologe in strahlende Zeichen zu verwandeln.
Feminismus ohne Etiketten und die Macht der Weiblichkeit
Obwohl Tracey Emin die Diskussion über eine explizite feministische Autorität in ihrer Arbeit oft ablehnt wird ihr Werk dennoch häufig im Kontext des Third Wave Feminismus verstanden. Emins Kunst ist ein selbstbewusster Umgang mit Weiblichkeit der keine Tabus kennt. Sie thematisiert offen Aspekte wie Menstruation und Abtreibung sowie Promiskuität und die damit oft verbundene Scham. Durch den bewussten Verzicht auf komplexe Symbolik zwingt sie ihr Publikum sich mit den wahren und oft unterdrückten Seiten der weiblichen Identität auseinanderzusetzen. In dieser kompromisslosen Verhandlung des weiblichen Körpers und seiner gesellschaftlichen Zuschreibungen steht Emin neben Jenny Saville, deren monumentale Fleischgemälde ebenfalls die glatten Oberflächen der Schönheitsideale zertrümmern, und neben Cindy Sherman, die die Konstruktion von Weiblichkeit durch inszenierte Fotografien seziert. Emin hat eine ganze Generation von Künstlerinnen beeinflusst die sich heute mit einer neuen Offenheit mit dem eigenen Körper und der eigenen Geschichte beschäftigen.
Der Aufstieg in das Establishment und die Royal Academy
Trotz ihrer provokativen Anfänge hat Tracey Emin eine bemerkenswerte Akzeptanz durch die obersten Ränge der britischen Kunstgesellschaft erfahren. Ein Meilenstein dieser Entwicklung war das Jahr zweitausendsieben als sie zur Royal Academician an der Londoner Royal Academy of Arts ernannt wurde. Dies markierte ihren endgültigen Aufstieg in die Elite der Kunstwelt und zeigte dass das Establishment erkannt hatte wie wichtig ihre Stimme für die nationale Identität war. Emin wurde später sogar Professorin für Zeichnen an derselben Institution. Dieser Wandel vom rebellischen Young British Artist — an der Seite von Damien Hirst, den Chapman Brothers, Sarah Lucas, Gavin Turk und Marc Quinn — zur respektierten Professorin zeigt die Reife einer Künstlerin die gelernt hat ihre radikale Energie in dauerhafte Strukturen zu überführen ohne dabei ihre Integrität zu verlieren. Im Jahr zweitausenddreizehn wurde ihr der CBE für ihre Verdienste um die Kunst verliehen.
Internationale Bühne und die Biennale von Venedig
Der Einfluss von Tracey Emin reicht weit über die Grenzen Großbritanniens hinaus. Im Jahr zweitausendsieben vertrat sie Großbritannien auf der zweiundfünfzigsten Biennale von Venedig womit sie erst die zweite britische Künstlerin war der diese Ehre für eine Einzelausstellung im britischen Pavillon zuteil wurde. In Venedig zeigte sie eine beeindruckende Breite ihres Schaffens von großformatigen Zeichnungen bis hin zu komplexen Installationen. Diese internationale Präsenz führte dazu dass ihre Arbeiten heute in den wichtigsten Museen und Galerien der Welt zu finden sind. Emin ist eine Künstlerin die es schafft die Welten der Populärkultur und der Hochkunst miteinander zu verschmelzen ohne dabei oberflächlich zu wirken.
Körperliche Identität und die fortwährende Praxis der Qual
Die Grundlage der Arbeit von Tracey Emin bleibt bis heute eng mit ihrer physischen Identität und ihren körperlichen wie geistigen Erfahrungen verbunden. Sie ist eine aktive Teilnehmerin ihrer eigenen Kunstwerke was dem Publikum eine ungewöhnliche Tiefe an Offenheit und Verletzlichkeit bietet. Auch in ihren neueren Arbeiten die sich oft mit dem Alter und der Krankheit sowie der Endlichkeit beschäftigen bleibt sie ihrem Prinzip der absoluten Ehrlichkeit treu. Sie nutzt ihre eigene Versehrtheit als Ausgangspunkt für neue Entdeckungen und zeigt dass der künstlerische Prozess eine Form des Überlebens sein kann. Emin hat sich ihren eigenen Platz in der Kunstgeschichte erkämpft indem sie die Scham besiegt und die Wahrheit über ihr Leben in Bilder und Objekte verwandelt hat. Sie bleibt eine starke aber verletzliche Kraft die uns daran erinnert dass die Kunst die Aufgabe hat die menschliche Seele in all ihren Facetten sichtbar zu machen.
Emin lehrt uns dass es keinen Grund gibt sich für die eigenen Narben oder die Unordnung im eigenen Leben zu schämen. Sie zeigt uns dass genau in diesen Rissen das Licht der Erkenntnis und der Empathie entstehen kann. Wer ihr Werk betrachtet sieht nicht nur die Geschichte einer einzelnen Frau sondern erkennt Fragmente der eigenen Geschichte wieder. Diese universelle Resonanz ist das wahre Geheimnis ihres dauerhaften Erfolgs. Tracey Emin ist und bleibt eine unersetzliche Stimme der Gegenwart die uns dazu auffordert mutig zu sein und die eigene Geschichte mit Stolz zu erzählen. Ihr Vermächtnis ist eine befreite Kunst die keine Angst vor der Dunkelheit hat weil sie weiß dass das Licht der Wahrheit am Ende immer stärker ist.
Mehr Informationen unter: https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/tracey-emin
Signum Sine Tinnitu stellt in dieser Serie die einflussreichsten zeitgenössischen Künstler vor. Als unabhängige Plattform für zeitgenössische Kunst zeigen wir in unseren eigenen Ausstellungen in Berlin Positionen, die das Private zum Politischen machen — von Faces III bis Demons.